le blog acourtdeforme

création de Maxime Pecheteau

avec Dimitri Capitain et Maxime Pecheteau

compagnie : En Chantier

Rien n’échappe à la publicité. Plus d’espace vierge, intime. Les marques sont partout. Y compris en art. Les nouvelles générations sont guidées par l’étiquette, la marque. Un texte à la fois ABCédaire, fourre tout statistique, démonstration par l’absurde et appel d’air pour résister à cette asphyxie publicitaire. Une prise de parole à trois, c’est-à-dire deux contre un, ou tous contre l’autre, ou tous contre le public.

A cette avalanche de mots correspond une surcharge vestimentaire, strip-tease à l’envers.

        L’envie est la même que celle du grand bol d’air après une asphyxie. L’envie de regarder la tumeur et de la disséquer, l’exhiber.

        Un acteur sur scène et un metteur en scène. Ils vendent leur spectacle et vendent les artifices grossiers de la publicité qui nous assaille. Comment croire que le domaine artistique n’y échappe pas aujourd’hui ?

        Il ne s’agit ni d’un texte théorique de sociologie, ni d’une leçon de morale. Le public est pris à partie, interrogé, dans l’impossibilité de la réponse immédiate, manipulé par les images qui lui sont données à voir.

        Il est aussi question de l’individu et de la masse, de la validité de son propre jugement face à un flux d’avis allant toujours dans le même sens.

Comment sa sensibilité artistique peut-elle être biaisée de la même façon ? Comment la créativité est affectée par la pression pesant sur la diffusion artistique ?

Une tentative de mettre en avant cette mésalliance, de pousser jusqu’au bout l’absurde et le grotesque qui en découlent.

mise en scène Julien Kosellek

avec Stéphane Auvray-Nauroy, Florent Dorin, Christophe Garcia, Céline Manchon, Cédric Orain, David Palatino, Eram Sobhani, Julien Varin

compagnie : Estrarre

Dans son bunker, Hitler mange ses soldats. Goebbels, enceinte du Führer, accouche d’un monstre devant les rois mages, dignes représentants de l’occident. Evidemment, tout ceci n’est qu’une farce. Grotesque, obscène. Mais elle est contredite par l’horreur de l’Histoire et la violence de notre théâtralité.

On sait qu’Heiner Müller donnait à La Sainte Famille une place particulière au sein de Germania Mort à Berlin. Cette scène représentait certainement pour lui un « théâtre dans le théâtre », l’éternelle répétition d’une scène, qui est une scène originelle : la sainte famille, naissance du Christ, l’allégorie de la naissance de la R.F.A – allégorie provenant du système de propagande est-allemand : la R.F.A ne serait qu’une continuité du nazisme aidée par les grandes puissances capitalistes. Müller critique évidemment le simplisme de cette idée, même s’il était de ceux qui pensent qu’Hitler fut épargné quelques temps par les alliés occidentaux dans l’espoir d’une destruction de l’empire soviétique.

Quant à cette place particulière de la scène, et donc la possibilité de la jouer en dehors d’une représentation de Germania Mort à Berlin, Müller proposa même à un metteur en scène de jouer La Sainte Famille dans un autre espace que le reste de la pièce, en demandant aux spectateurs de se déplacer le temps de la scène. Ici La Sainte Famille sera présentée au sein d’autres formes courtes, qui engageront a priori une théâtralité toute autre que celle que nous proposons.

Du point de vue dramaturgique, il serait bien conventionnel de se contenter d’une critique d’Hitler et du nazisme. De n’en faire qu’une parodie jouissant du consentement d’un public acquis d’avance.

Mais on ne peut toutefois pas ignorer l’univers de farce, de carnaval de la scène. On pourrait la penser comme une sorte de mystère moyenâgeux aux thèmes simples et radicaux : mort / naissance, bouffer / péter…

Comme dans ce type de farce, comme chez Rabelais, l’humour chez Müller est subversif. Il est là pour troubler l’ordre établi et non flatter le public.

Il me semble dangereux d’en arriver à un théâtre de sens, puisque les idées que nous travaillons à travers cette scène sont et doivent rester contradictoires ; on ne peut manier l’Histoire sans précaution.

« Quand on essaie de traduire une idée par une image, soit l’image devient bancale, soit l’idée explose. Je suis plutôt pour l’explosion »

Erreurs choisies, 1982, L’Arche

« kluge - (…) comme les marionnettes du théâtre guignol, qui ne bougent qu’en faisant des erreurs. Quand elles agissent correctement, c’est là qu’on s’ennuie.

müller - Voilà qui pourrait être une forme. En quelque sorte, le sabotage théâtral devenu forme. »

Profession Arpenteur, 1996, Théâtrales

« Le corps représente une fois pour toutes la réalité du théâtre, par opposition aux médias techniques, et il est déjà en ce sens intéressant. Le corps est toujours une objection aux idéologies. »

Erreurs choisies, 1982, L’Arche

En m’appuyant sur ces citations de Müller, j’imagine une forme théâtrale qui pourrait se départir du réalisme – s’inspirant de la marionnette – sans annuler le corps de l’acteur. Une image de corps bancals et éclopés pour un théâtre terrible et grotesque. Un rire que seul la mort, l’effroi et la souffrance peuvent provoquer.

Me vient alors tout de suite comme référence l’univers de Kantor. Müller parle de « transposition stylisée de la réalité immédiate ». Il me semble que le travail de Kantor pourrait répondre à cette définition. Mais ce dont Kantor me parle avant tout, c’est de la mise en mouvement des corps, leur destruction. Or l’écriture de Müller ne peut passer que par le corps de l’acteur. Et la dramaturgie entière de Germania Mort à Berlin repose sur la maltraitance, l’épuisement des corps.

Pour le spectateur, il s’agit plus de sensation que de compréhension. C’est donc une véritable mise en mouvement des corps des acteurs que réclame La Sainte Famille. Ce qui suppose une écriture du mouvement, une chorégraphie, qui partirait de l’esthétique que nous propose Müller : « le sabotage théâtral devenu forme. »

mise en scène Cédric Orain

avec Benoît Fogel, Courtney Kraus, Raouf Raïs, Eram Sobhani

compagnie La Traversée

« Le Mort » est une fable érotique, le récit du cheminement d’une femme, Marie, qui, pour combler l’absence due à la mort de son amant, se livre toute entière dans une dépense sans fin à une série de supplices et de plaisirs érotiques.

Avec ce texte comme avec Mme Edwarda, Histoire de l’œil.., Bataille cherche à penser ce qui excède la possibilité de penser, à gagner le point où le cœur manque, où l’horreur et la joie coïncident dans leur plénitude, où l’être nous est donné dans le dépassement intolérable qui le rend semblable à Dieu, semblable à rien. Quels sont les enjeux d’un tel récit ? Pourquoi mêler la vue du sang, l’odeur du vomi, qui suscitent en nous l’horreur de la mort, au désir et à la jouissance ?

Il me semble évident que les questions des plaisirs scatologiques ou sado-masochistes ne sont qu’anecdotiques dans l’entreprise de Bataille, ou du moins que ces plaisirs ne sont que de simples outils de son expérience intérieure. S’il s’intéresse à la jouissance c’est pour en toucher l’immédiate limite : l’horreur. « Je ne suis en rien porté à penser que l’essentiel en ce monde est la volupté. L’homme n’est pas limité à l’organe de la jouissance. Mais cet inavouable organe lui enseigne son secret. » Quel est donc ce secret ? Ce que cherche Bataille par l’érotisme, et le dépassement des limites, c’est le « dépassement de Dieu lui-même ». C’est ce dont nous parle Michel Foucault dans sa préface à la transgression. Depuis la mort de Dieu et du sacré en occident, il n’y a plus ni objet ni être ni espace à profaner, or la transgression amorcée par Bataille est une profanation, sans objet, « intérieure et souveraine », c’est une expérience de la sexualité qui lie le dépassement de la limite à la mort de Dieu.

On peut alors se demander ce qui pousse Bataille à représenter dans « Le Mort », une orgie dionysiaque. Je crois que ce qu’il faut entendre au-delà de l’orgie, au-delà du sacrifice, c’est une restitution du monde sacré (à ne surtout pas confondre avec le religieux), qu’il oppose au monde occidental moderne. Ne dit-il pas à propos de Marie (l’héroïne dans « le Mort »), qu’elle est «  une dépense d’énergie en pure perte » ? Lorsque j’entends chez Georges Bataille le désir de faire ressurgir, sous forme artistique, le sacré dans notre société de consommation, je pense à Antonin Artaud et son théâtre de la cruauté. Mais là où Artaud attend du sacrifice une libération des forces et de la violence, Bataille espère toucher un monde intime, atteindre « la souveraineté », cet état d’extase impossible où l’homme se dresse tout entier face à l’univers et plonge dans l’abîme de « sa part maudite ».

Mettre en scène « le Mort », c’est se poser la question de la représentation d’une orgie, c’est chercher une forme qui puisse faire entendre cette expérience des limites, c’est donc chercher une théâtralité subversive. Mais comme nous l’avons vu avec Foucault, la subversion, la transgression, ne se départissent pas des limites qu’elles s’imposent et dans lesquelles elles se nouent.

S’il y a nudité, s’il y a déshabillage, ils ne peuvent être que long, douloureux et pénibles. Le plaisir est toujours lié à l’angoisse.

J’ai choisi pour ce texte quatre acteurs et une actrice. Plusieurs personnages emblématiques parcourent ce récit : Pierrot, La Patronne, Le Nain, Edouard mort et Marie. Il ne s’agit pas pour eux de s’identifier à ces personnages, mais de porter ce récit à la manière d’un chœur tragique, et de faire glisser dans leur chair, à tour de rôles, ces figures mythologiques.

Quant aux actions érotiques, scatologiques, décrites dans ce texte, nous ne les mimerons pas. Je me les représente plutôt avec « l’origine du monde » de Courbet projeté sur la peau des acteurs. Je crois que la chair d’un acteur porte en elle tout ce que Bataille cherche dans l’érotisme qu’il nous livre avec « le Mort ».

Georges Bataille a écrit « le gros orteil », un article sur fétichisme et sexualité. Il a été publié dans une revue et il a choisi une photographie pour accompagner son texte : un gros plan d’un gros orteil mâle. Cette image a une résonance très forte et n’est pas du tout explicative puisqu’ « elle résiste à l’appropriation d’aucun sens. » C’est sur cette forme que je souhaite travailler, un théâtre de la cruauté statique et saccadé, rythmé par les résonances entre des images fixes, et un corps texte-acteurs.

Enfin, cette forme courte s’inscrit dans une représentation qui intègre d’autres formes, d’autres textes, d’autres enjeux. Les résonances n’en seront que plus riches, et le propos que plus tranchant.